20 femmes artistes qui ont transformé leur traumatisme en chefs-d’œuvre artistiques

Frida Kahlo n’avait que 18 ans et faisait des études de médecine à Mexico lorsqu’un accident de bus, en 1925, lui a enfoncé une rampe en fer dans le bassin et lui a brisé la colonne vertébrale, les côtes et la clavicule. Alitée dans un corset en plâtre, elle s’est mise à la peinture, installant un miroir au-dessus de son lit afin de pouvoir se peindre elle-même. Elle a subi plus de 30 opérations au cours de sa vie. Elle a transformé sa souffrance en art, comme en témoignent « L’hôpital Henry Ford » et « La colonne brisée ». Elle refusait d’être qualifiée de surréaliste, affirmant qu’elle ne peignait que sa propre réalité, et non ses rêves.

En 1611, Artemisia Gentileschi était une peintre de 17 ans vivant à Rome qui fut victime d’agressions sexuelles de la part d’Agostino Tassi, un précepteur que son père avait engagé pour lui enseigner la peinture. Au cours du procès qui s’ensuivit en 1612, les autorités lui ont enroulé des cordes serrées autour des doigts et lui ont demandé si elle se rétracterait de son témoignage sous la torture. Elle a refusé, et Tassi a été reconnu coupable. Elle a ensuite peint « Judith décapitant Holopherne » et, en 1616, elle est devenue la première femme membre de l’Académie des Beaux-Arts de Florence.

Camille Claudel a été l’élève, la collaboratrice et l’amante du sculpteur Auguste Rodin pendant plus de dix ans, vivant à ses côtés à Paris. En 1898, Rodin ayant refusé de quitter sa compagne de longue date, Rose Beuret, elle mit fin à leur relation et réalisa « L’Âge de la maturité », qui représente une femme à genoux cédant un jeune homme à un homme plus âgé. À la mort de son père en 1913, sa mère et son frère Paul, le poète, firent interner Camille dans un asile. Elle y resta jusqu’à sa mort en 1943, soit une trentaine d’années plus tard.

Lorsque le mari de Lee Krasner, le peintre Jackson Pollock, trouva la mort dans un accident lié à l’alcool au volant en août 1956 près de leur domicile à Long Island, elle était déjà peintre expressionniste abstraite depuis des années. De retour d’Europe, Krasner reprit l’atelier de Pollock et, tourmentée par l’insomnie, peignait toute la nuit à la lueur d’une faible lumière. C’est ainsi que naquirent ses séries « Earth Green » et « Umbra », ainsi qu’un tableau intitulé « Prophecy », achevé immédiatement après la mort de Pollock, tous caractérisés par des coups de pinceau agités et chaotiques.

Georgia O’Keeffe comptait parmi les figures de proue du modernisme américain. En 1933, l’épuisement lié à la réalisation d’une fresque murale et la détresse provoquée par la liaison publique de son mari, Alfred Stieglitz, la plongèrent dans une grave dépression nerveuse qui nécessita une hospitalisation ; l’année suivante, elle commença à se retirer chaque été au Ghost Ranch, au Nouveau-Mexique. Elle y peignit des crânes d’animaux blanchis par le soleil dans un paysage aride. Des tableaux tels que « Pelvis with the Moon » ont transformé ces images de décomposition en quelque chose qui s’apparente à un renouveau.

Peter, le fils de 18 ans de la graveuse et sculptrice allemande Käthe Kollwitz, est mort au combat en Belgique en octobre 1914, au début de la Première Guerre mondiale. Au cours des 18 années qui suivirent, elle réalisa « Les parents en deuil », une sculpture monumentale qui la représente, elle et son mari, à genoux, chaque personnage étant sculpté dans un bloc de pierre distinct. En 1932, l’œuvre fut installée dans un cimetière militaire en Belgique, où elle se dresse encore aujourd’hui en mémoire de son fils et en témoignage du chagrin causé par la guerre.

La peintre surréaliste britannique Leonora Carrington s’est enfuie en Espagne après l’arrestation de son amant, l’artiste Max Ernst, en France en 1939 ; peu après, elle a elle-même fait une dépression nerveuse. Elle a alors été internée contre son gré dans un asile, où les médecins lui ont administré un médicament provoquant des convulsions. Elle s’est enfuie au Mexique en 1942. C’est là-bas qu’elle a reconstitué son esprit sur la toile, avant de rédiger finalement un récit autobiographique de cette expérience et de créer des œuvres telles que « Autoportrait (L’auberge du cheval de l’aube) ».

Alors que la Révolution française s’intensifiait en octobre 1789, Élisabeth Vigée Le Brun était la portraitiste attitrée de la cour de France, surtout connue pour ses portraits de la reine Marie-Antoinette. Elle s’enfuit de Paris, abandonnant sa maison, son mari et sa fortune. Pendant plus de douze ans, elle erra à travers l’Italie, l’Autriche et la Russie, élevant seule sa fille. Tout au long de ce parcours, elle peignit des autoportraits et des portraits royaux, et fut élue membre de plusieurs grandes académies européennes. Elle revint enfin à Paris en 1802.

Lorsque Charlotte Salomon, une artiste juive allemande qui s’était réfugiée dans le sud de la France pour échapper aux nazis, apprit que sa mère, sa grand-mère et sa tante s’étaient toutes donné la mort, elle entreprit de créer un « opus » visuel au cours des deux années suivantes. Le résultat, aujourd’hui connu sous le nom de « La Vie ? ou le Théâtre ? », se composait de plus de 760 tableaux, accompagnés de textes et de musique. Avant d’être arrêtée en 1943, elle les confia à un médecin de la région en lui disant : « Prenez-en bien soin. C’est ma vie. » Elle fut assassinée à Auschwitz en octobre de la même année, à l’âge de 26 ans.

En janvier 1929, l’amant de la photographe Tina Modotti, Julio Antonio Mella, un exilé politique cubain, fut abattu à côté d’elle dans la rue. Modotti fut interrogée par la police et accusée par la presse, mais elle fut innocentée. Elle fut ensuite expulsée en 1930 et continua à réaliser des photographies engagées telles que « Femme au drapeau » et « Bandoulière, maïs et faucille », qui comptent parmi les œuvres de photographie documentaire les plus saluées par la critique de l’époque.

L’écrivaine et photographe surréaliste française Claude Cahun s’est installée à Jersey avec sa demi-sœur et compagne, Marcel Moore. Après l’invasion de l’île par l’Allemagne, le couple s’est lancé dans une campagne de résistance antifasciste. La Gestapo a arrêté Cahun en 1944 et l’a condamnée à mort, mais l’a maintenue en prison pendant près d’un an, jusqu’à sa libération lors de la libération de l’île. Elle a ensuite pris plusieurs autoportraits provocateurs, dont un où elle mord un insigne nazi, avant de mourir quelques années plus tard des suites de la guerre.

Adolescente, Suzanne Valadon était acrobate de cirque à Montmartre, à Paris, où elle se produisait au trapèze jusqu’à ce qu’un accident, survenu vers 1883, lui cause une blessure permanente et mette fin à sa carrière d’artiste de cirque. Elle se tourna alors vers le métier de modèle d’artiste, puis apprit à peindre en autodidacte. Elle surmonta la pauvreté, un mari violent et une dépendance à l’alcool. Ses peintures représentant la silhouette féminine, dépourvues de tout idéalisme, étaient radicalement novatrices, comme en témoigne son œuvre « La Chambre bleue ». En 1894, elle devint la première femme admise à l’Académie nationale des Beaux-Arts de France.

En 1862, Mary Edmonia Lewis, sculptrice amérindienne (Ojibwée) et afro-américaine qui étudiait à l’Oberlin College, fut accusée d’avoir tenté d’empoisonner ses deux colocataires blanches. Une foule de Blancs l’emmena dans un champ et la roua de coups avant même son procès. Après avoir été défendue par l’avocat John Mercer Langston, elle fut entièrement acquittée en 1862 et finit par s’installer à Rome, où elle réalisa plusieurs sculptures en marbre commémorant l’émancipation des Noirs, telles que « Forever Free ».

Paula Modersohn-Becker, une peintre allemande qui avait épousé son collègue Otto Modersohn et luttait contre l’isolement de sa petite communauté d’artistes, commença à se rendre à Paris de temps à autre pour peindre. En 1906, elle avait achevé un autoportrait nu représentant un ventre suggérant une grossesse, bien qu’elle ne fût pas enceinte au moment où elle l’a peint. Il s’agissait du premier autoportrait nu connu réalisé par une femme artiste. Elle mourut l’année suivante, à l’âge de 31 ans, des suites de complications liées à l’accouchement.

La surréaliste allemande Unica Zürn vivait à Paris avec son compagnon, l’artiste Hans Bellmer. À partir de 1957, elle commença à souffrir de graves crises schizophréniques, accompagnées d’hallucinations et entraînant des hospitalisations répétées. Au cours de ces hospitalisations, un de ses amis, le poète Henri Michaux, lui apportait des carnets de dessin. À l’aide d’un fin stylo et d’encre, Zürn créait des dessins denses et labyrinthiques, grouillant d’yeux et de figures fantomatiques, qui traduisaient visuellement ses expériences d’un esprit déformé. Elle s’est suicidée en 1970.

Enfant, la peintre Romaine Brooks a subi pendant des années les mauvais traitements de sa mère, qui préférait son frère atteint de troubles mentaux et l’avait confiée, à l’âge de sept ans, à une famille pauvre. Lorsqu’elle a hérité d’une fortune à l’âge adulte, elle a choisi d’utiliser presque exclusivement des nuances de gris, de blanc et de noir. L’aspect sobre et austère de tableaux tels que « La Vénus en larmes » ou son autoportrait de 1923 était pour Brooks un moyen de surmonter l’enfance marquée par la violence qu’elle a relatée dans un mémoire resté inédit.

La première fille de la peintre Alice Neel est morte de la diphtérie en 1927, et trois ans plus tard, son mari, l’artiste cubain Carlos Enríquez, l’a abandonnée pour retourner à Cuba avec leur deuxième fille. Anéantie, Neel a tenté de se suicider et a été internée pendant un an. Une fois rétablie, elle a commencé à réaliser certaines de ses peintures les plus viscérales, traitant de la maternité, de la perte et du deuil. Parmi celles-ci figurent « Well Baby Clinic » et « Futility of Effort », des tableaux bruts et sans fard qui ne ressemblaient en rien à ce qu’elle avait fait auparavant.

Kay Sage était une peintre surréaliste américaine qui avait épousé le peintre Yves Tanguy. Celui-ci mourut subitement d’un accident vasculaire cérébral en janvier 1955. Elle se replia sur elle-même dans leur maison du Connecticut, sa dépression s’aggravant en raison de la perte rapide de la vue due à la cataracte. Elle a réalisé des œuvres inquiétantes telles que « Tomorrow Is Never », représentant des tours squelettiques dans le brouillard. Elle s’est suicidée en 1963, laissant une note dans laquelle elle écrivait : « Maintenant, il m’attend à nouveau », en référence à Tanguy.

L’artiste allemande Gabriele Münter a contribué, aux côtés de son amant, le peintre russe Wassily Kandinsky, à la création du collectif artistique pionnier « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier bleu), basé à Munich. Lorsque la Première Guerre mondiale a éclaté, Kandinsky est retourné en Russie et l’a abandonnée. Münter s’est alors retirée dans le village allemand de Murnau et a surmonté son désespoir à travers des œuvres envoûtantes telles que « Méditation ». Des années plus tard, pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a également mis à l’abri plus de 80 œuvres d’art moderne dans sa cave afin d’empêcher les nazis de les détruire.

En février 1953, Barbara Hepworth, sculptrice abstraite britannique travaillant dans son atelier de St Ives, en Cornouailles, apprit que son fils de 24 ans, Paul Skeaping, pilote de la Royal Air Force, avait trouvé la mort dans un accident d’avion en Thaïlande. Pour trouver du réconfort, elle sculpta une « Vierge à l’Enfant » destinée à l’église paroissiale locale, en hommage à son fils. Elle continua à sculpter le bois et la pierre, en y intégrant ces ouvertures lisses et creusées qu’elle avait mises au point bien des années auparavant, désormais imprégnées de chagrin et d’une volonté de protection.

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